Los laberintos como concepto artístico aplicados a las pinturas

Los laberintos como concepto artístico aplicados a las pinturas - Opinión

A lo largo de toda la historia de la humanidad los laberintos han representado siempre, más allà de su propio significado o de la función a la que estaban destinados, una expresión artística en el sentido más literal de la palabra.

Todos los artistas lo han utilizado como musa inspiradora de sus obras: escritores como Borges y Octavio Paz, pintores como Pablo Picasso Salvador Dalì, escultores como Durero y Leonardo, directores de cine como Stanley Kubrick con su fenomenal Jack Torrance en El Resplandor y Guillermo del Toro en El Laberinto del Fauno entre otros.

El término laberinto en sí mismo tiene un profundo valor metaf­órico, pero tembién es un elemento sofisticado y elusivo. A través de su significado parece evocar la indescifrabilidad de nuestro tiempo. Y también porque se trata de una figura en torno a la cual los artistas, escritores, filósofos e intelectuales han expresado sus particulares puntos de vista a través del tiempo.

Sería imposible en un solo artículo afrontar en manera más o menos completa el significado de los laberintos y su implicancia en la vida social, cultural, política y económica de nuestra sociedad desde sus orígenes como tal.

La idea del laberinto surge de lo más profundo de la mente humana. Desde la prehistoria el hombre, una vez perdido su instinto animal, siente temor ante la naturaleza, quizá por ello graba laberintos en las piedras, tratando de representar esa inquietud e incertidumbre ante los caminos desconocidos
que se abren ante él.

Iniciaremos por lo tanto nuestro recorrido analizando el laberinto en el arte y su significado en las pinturas y vestimentas.

El diseño de Leonardo Da Vinci es un entramado de nudos, elaborado con un solo trazo, sin despegar el lápiz, de principio a fin.

Se presume que su elaboración haya sido por encargo para uso textil.

Algunos autores lo comparan con un laberinto, que tiene cuatro niveles, representados por las distintas vueltas, las que se supone tienen analogía con la creación.

Los primeros laberintos.

Según Cirlot, “un laberinto es una construcción arquitectónica, sin aparente finalidad, de complicada estructura y de la cual una vez en su interior, es muy difícil encontrar la salida”.

Se encuentran dos tipos concretos de laberinto, según su forma: el circular y el cuadrangular o rectangular.

El cuadrado o rectangular es el más antiguo; la primera representación está en una tabla de Pilo y sirvieron de sello para algunas tumbas egipcias.

El de tipo redondo aparece en el siglo VII a. C en Italia, en las monedas de Cnososa finales del siglo III a. C.

Los laberintos circulares también aparecen en Europa, a fines de la Edad de Bronce, los cuales han sido interpretados como imágenes en movimiento de los astros, según Waldemar Fenn.

El laberinto es un símbolo de gran fuerza en todo el mundo y este aparece en civilizaciones muy antiguas a través de inscripciones sobre piedras o metales.

Uno de los laberintos más antiguos construidos fue el descrito por el griego Herodoto, el cual, se encontraba en Egipto. Fue construido en el siglo XIX a. C, durante la dinastía de Amenemhat III y sirvió de residencia y sepultura del rey.

Tras el declino de la civilización egipcia, el laberinto perdió su lujo y poder y todos sus ricos materiales se volvieron a utilizar en otros lugares.

El laberinto egipcio sirvió de inspiración para crear una leyenda mitológica en Creta: El laberinto del minotauro. Según Plinio, este era de dimensiones mucho más humildes que el de Egipto.

El minotauro, como el laberinto, también es un símbolo universal que expresa una animalidad llena de terror y angustia. Sobre él pesa una culpa que no es suya, motivo por el que nació como una bestia y, lo peor de este personaje mitológico es que, le está negada su libertad y debe sobrevivir en un laberinto, construido por el famoso arquitecto Dédalo, alimentándose de carne humana.

Este laberinto, construido por el arquitecto Dédalo, se hallaba bajo tierra y allí tenía morada el minotauro, mitad hombre mitad toro, a veces representado con tronco de persona y cuerpo de toro, como un centauro, y a veces era representado con la cabeza de toro y el cuerpo de hombre.

Estudios recientes dicen que la fábula nace de la existencia de una gran gruta muy profunda, situada en una cantera abandonada cerca de Gortyna y no de Cnosos. Es posible que allí se encerraran a los prisioneros de las guerras, dejándolos morir de hambre y, este hecho diera origen a las juventudes sacrificadas por el minotauro. Según la leyenda, la ciudad de Atenas perdió una batalla contra Creta, y a sus habitantes se le impuso la orden de ofrecer el sacrificio de catorce jóvenes al minotauro .Estos eran soltados en el laberinto y se convertían en presa fácil de la bestia.

De aquel laberinto no hay rastro alguno, si es que acaso existió, sólo quedan como huella de esa historia, las monedas de Cnosos que, tenían acuñadas en el anverso de las caras al minotauro o al laberinto.

El laberinto representado como un lugar festivo tiene sus raíces en culturas antiguas en las había en su interior un espacio destinado a la danza amorosa de la primavera.

Durante el barroco se realizaron intrincados laberintos para divertir a la corte y enfatizar la suntuosidad y grandiosidad propias de este arte.

En Inglaterra el más importante es el laberinto de Hampton Park de Guillermo de Orange que fue diseñado en 1690.

Los laberintos modernos.

En la actualidad el laberinto ha sido tema de inspiración para artistas plásticos y escritores. Pablo Picasso realizó una serie de grabados en los que rinde tributo al minotauro. Respecto a la literatura, José Luis Borges y Octavio Paz, han descrito en sus obras, la presencia de laberintos, recuperando su simbología y presencia.

La desaparición de una gran parte de los laberintos de Europa durante las dos guerras mundiales hizo que el hombre sintiera otra vez la necesidad de ver su presencia en jardines, como una arquitectura de diversión, por lo que a partir de la década de los setenta en todo el mundo se volvieron a construir.

Para finalizar podemos concluir que este enigmático símbolo a veces bidimensional otras tridimensional ha sido y es interpretado de varias formas, para unos es un símbolo, para otros un acertijo matemático, para otros un elemento estético, pero sobre todo es un espacio arquitectónico ideado para disfrutar del camino que uno mismo ha elegido.

Dos imágenes metafóricas en la tela de Tintoretto definido por Giorgio Vasari como “el cerebro más terrible que haya tenido nunca la pintura”.

En el fondo se puede ver la Torre de Babel, que en este caso particular alude al Infierno, en la particular visión de quien es considerado como un precursor del barroco y una ciudad con torre, la Jerusalén celestial.

En el centro de la escena se encuentra una mesa puesta: el laberinto es, en este caso, un lugar de voluptuosidad y delicias mundanas, una especie de paraíso terrestre.

Esta pintura, el Laberinto de amor, está en el conjunto de las obras que el artista italiano creó durante su primer período.

El lienzo describe dos momentos distintos: a la derecha, David se enamora perdidamente de Betsabé, después de haberla visto en el baño; en el lado opuesto, en primer plano, comunica a la esposa de su esposa su partida inminente para una expedición de la que nunca volverá. Para dar unidad a la obra, además del cielo plomizo y el paisaje exuberante, el laberinto pintado en el centro, cuya estructura, organizada por círculos concéntricos de setos, alude -como en el caso de la pintura de Tintoretto- a las intrigas eróticas. El tema también se remonta al arte menor de la época: en un grabado bastante tosco de la crónica pictórica florentina, Teseo, armado con una maza y una espada, se cierne sobre un paisaje caótico y sostiene una bola de hilo cuya cabeza está fija en la entrada del laberinto. Mientras que en el fondo del Egeo, con la apariencia del lienzo negro, el salto fatal se destaca y desaparece tragado por las olas.

A la derecha, en lo alto de un acantilado, una desaliñada Arianna menea una tela atada a un palo; en primer plano destaca el “Laberinto Teseus”. Para la corte hedonista del siglo XVI, el laberinto es una moda, un divertimento refinado. Sin embargo, esta es solo una de las posibles “encarnaciones”. Precisamente por su origen mitológico, el laberinto se presta a las más dispares interpretaciones: es un misterio auténtico, no resoluble racionalmente; es una metáfora de la muerte, del itinerario del alma hacia la elevación espiritual, llena de trampas y pruebas que enfrentar, o una alusión al logro de la verdadera sabiduría, del conocimiento del ser más profundo, que solo aquellos que pueden seguirlo alcanzan en su totalidad, sin perderse en el camino.

Otro ejemplo famoso es el Retrato de un Caballero con el Laberinto, creado por Bartolomeo Veneto alrededor de 1510.

El mensaje que la obra intenta transmitir – una advertencia a la privacidad y la reflexión interna – es sugerido por el gorro de la efigie: un gorro decorado por una corona de espinas, una imagen alegórica de las dificultades que se pueden encontrar en su viaje, y embellecida con un medallón en el que se representa el naufragio de un buque, rodeado por el lema “Esperante me guide”.

El carácter introspectivo de la composición es reiterado por el laberinto que adorna la suntuosa apariencia del cliente, cuyos secretos del corazón guarda. Incluso la escuela flamenca ha experimentado con la representación de laberintos, como lo demuestran las Historias de David y Betsabé.

En cualquier caso, la imagen del laberinto evoca la idea de un obstáculo, tanto material como espiritual. El camino ahora se vuelve escarpado; nos enfrentamos a puertas cerradas o callejones sin salida; uno queda atrapado en sus giros tortuosos y en sus meandros: bendito es aquel que, como Teseo, tendrá éxito en obtener la salida de su propio laberinto personal.

El mito del laberinto, desde el genio de Dédalo en adelante, se ha transformado con el paso de los siglos en un juego enigmático, un torneo caballeresco del siglo XVI, un hábito para las reuniones de damas del siglo XVIII, un desafío para los héroes y un camino iniciático.
Pero la importancia del significado esotérico se ha salvado de la profanación, que la llevó a ser principalmente diversión y pasatiempo, de las religiones y el arte.

En el primer caso, dando forma a las catacumbas y luego realizado en los pisos de algunas catedrales góticas europeas, se nos presenta como un “camino de fe” que, a través de dificultades de todo tipo, nos acerca a Dios que obviamente se encuentra en el centro.

Para el arte moderna, el discurso se vuelve más ramificado y complejo.

Aquí damos algunos ejemplos de representaciones de laberintos en el arte moderno.

El Laberinto en el Parque es una obra contemporánea de Robert Morris que se conserva en el parque de Villa Celle (Colección Gori) en la provincia de Pistoia (Italia).

Hecho en 1982 , construido en mármol , serpentina y hormigón , tiene las dimensiones de un triángulo equilátero de 15 m X h 2.1 m.

El exterior se caracteriza por una larga pared con rayas blancas y verdes, clara referencia a la arquitectura de las iglesias románicas de la Toscana.

La entrada es oblicua y no ortogonal a la planta baja y un corredor único serpentea a través de esquinas puntiagudas que conducen primero cuesta abajo y luego cuesta arriba (de hecho, el laberinto se encuentra en una pendiente) de forma continua que finalmente nos lleva al centro de la estructura, dando solo la posibilidad de regresar.

El tema de esta instalación es el viaje , podemos entender tanto en el sentido físico, vamos a conocer el mundo, y en un sentido psicológico, para empezar a buscarnos a nosotros mismos.

En ambos casos, los momentos críticos (bordes filosos) se enfrentan durante la investigación, en algunos momentos el viaje es tan fácil como “ir cuesta abajo”, mientras que en otros es más difícil continuar, sugiriendo una lectura metafísica de la condición de la existencia humana .

El artista quería eliminar del camino las posibles variaciones que se pueden tener en un laberinto, probablemente porque más allá de las elecciones que hacemos, el camino vital al final es único.

Ciudades imaginarias y caminos multicolores.

Klee afirmó que al combinar las vetas de la madera o el mármol, se pueden obtener formas y caminos grotescos con los que alimentar la imaginación.

De aquí surgen sus ciudades imaginarias y sus caminos multicolores.

El trazado las piezas que, como un mosaico, forman la imagen impone una disposición simétrica: en el centro, una franja-calle recta y divide en dos la composición. A los lados se aprietan y trepan otras callecitas más estrechas y segmentadas, en ocasiones interrumpidas por nuevos e hipotéticos caminos.

La piedra los adoquines que forman las calles muestran el desgaste y las cicatrices un tiempo remoto y dibuja a su vez, dentro de cada uno ellos, otros hipotéticos caminos, otras calles dentro de la calle, en un infinito recorrido la memoria. El conjunto se ofrece a la vista como una suerte tejido tonos descoloridos, que lo asemejan a una acuarela.

Mondrian, a gusto en el ambiente esotérico, vive su arte como una investigación de la Realidad Pura, ya que él mismo define el logro del conocimiento, dando lugar a sus famosas pinturas en colores primarios, tan claras en su complejidad para dar una sensación de calma y repetitividad en el observador.

El arte de Mondrian siempre estuvo íntimamente ligado a sus estudios espirituales y filosóficos. En 1908, se interesó en el movimiento teosófico iniciado por Helena Petrovna Blavatsky en la segunda mitad del siglo XIX. Blavatsky creyó que era posible lograr un conocimiento más profundo de la naturaleza de lo que se facilitó por medios empíricos: gran parte de la obra de Mondrian para el resto de su vida se inspiró en su búsqueda del conocimiento espiritual.

Mondrian quedó muy impresionado por la exposición de obras cubistas en Ámsterdam, que cambió profundamente su trabajo futuro.
En 1912, Mondrian se mudó a París, también cambiando su nombre de Mondriaan en lo que sabemos para enfatizar su salida de la vida cerrada del estanque artístico holandés. A partir de este momento, firmará sus obras como “Mondrian”.

En este período parisino, la influencia del cubismo de Picasso y Braque se observa casi de inmediato en sus pinturas.

Sin embargo, mientras que Mondrian estaba ansioso por absorber y llevar la influencia cubista a su trabajo, parece claro que él ve el cubismo en sí mismo como un camino hacia un fin, en lugar de un fin en sí mismo.

Los laberintos como una forma de estudio de las ciencias ocultas.

También para Giacomo Balla, los laberintos son una forma de estudio de las ciencias ocultas, mientras que para De Chirico son la representación gráfica de la idea de enigma.

Balla fue uno de los primeros protagonistas del divisionismo italiano.

Luego se convirtió en un destacado exponente del futurismo, y firmó junto con Marinetti y los otros futuristas italianos los carteles que consagraban los aspectos teóricos del movimiento.

El pintor español Joan Miró, en cambio, aborda el concepto del laberinto que lo expresa en forma de líneas espirales, que siempre están presentes en la mayoría de sus pinturas.

Esta constelación representa exactamente lo que dice su título: un cielo estrellado con sus respectivas constelaciones, símbolos variados que forman una especie de laberinto formado por líneas negras y salpicado por colores primarios.

Omnipresentes aunque no se vean a simple vista los famosos pájaros de Miró  y por supuesto la mujer, siempre tratada por Miró como un ente creador y protector.

Pero la mente también puede perderse buscando el profundo significado del misterio: lo muestra con vida y obra uno de los artistas más representativos de las últimas décadas, Jackson Pollock.

Son laberintos sin salida, sin puerta que se abre al final del camino, sin Dios en el centro, solo angustia de un viaje sin retorno en sus goteos de color oscuro, con destellos de tintes violentos: otras representaciones de esa lúcida locura que lo llevaron a pintar las obras maestras que todos conocemos, pero también un símbolo de su vida problemática, marcada por depresiones y hospitalizaciones.

Por otro lado, Pollock , quien, partiendo de sugerencias cubistas, envía en mil pedazos la arquitectura deconstruida pintada por los “Picassianos”. Como surge en “Pasifae”, donde se apropia de una figura vinculada a la esfera del mito, y la ahoga en un mar de signos inexpugnables y deletreos enloquecidos. La historia pictórica aún no se ha violado por completo, ya que habría sucedido poco después. El padre de la pintura de acción inventa una polifonía, basada en elementos iguales entrelazados y repetidos sin variaciones. Una escritura disonante, que no tiene principio ni fin, como una sesión de jam jezzistic.

Artistas laberínticos.

Picasso y Pollock son artistas “laberínticos” . Qué etapa desmoronó los balances y volvió a armarse minuciosamente. Sugieren el vértigo: la insensatez de cada clasificación, la imposibilidad de atribuir un orden a lo visible. Representan la pulverización de la imagen en una extensión de figuras que ya no son soportadas por una sintaxis clásica. Conceden la aventura pictórica como un ejercicio interminable, que contiene muchas antítesis.

Convencidos de que lo real ya no se puede perimetrar, retratan universos en espiral. Muestran la combinación, sin montaje, de las imágenes, incluidos restos, restos, destellos. Las partes están dobladas sin costuras. Afirmarse a sí mismos es indeterminación, provisionalidad, parcialidad.

Esta deflagración parece detenerse en Escher , quien, recuperando motivos piramidales, influenciados por cuidadosos estudios de topología y cristalografía, dibuja laberintos “reconocibles”, de evidente matriz literaria.

Secuencias inextricables, con arquitecturas dominadas por perspectivas ilusorias y estructuras tridimensionales imposibles, pero construidas de acuerdo con una lógica estricta y rigurosa. Tenemos la sensación de estar frente a una prefiguración de programas 3D contemporáneos. O para presenciar casi una anticipación de los caminos absurdos e inhabitables a los que se refiere Umberto Eco en algunos pasajes de Il nome della rosa. (El Nombre de la Rosa).

El simbolismo ha sido ampliamente utilizado en la obrade Salvador Dalí.

Por ejemplo, el símbolo característico de “relojes blandos” apareció por primera vez en La Persistencia de la Memoria donde se refiere a la teoría de Einstein de que el tiempo es relativo y no algo fijo.

De igual manera su particular visión de los laberintos en el año 1941.

El del elefante es otra de las imágenes recurrentes en las obras de Dalí. Apareció por primera vez en el trabajo de 1944 Un sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un momento antes del despertar.

El elefante, inspirado en el pedestal de una escultura de Gian Lorenzo Bernini en Roma y que representa a un elefante que lleva un obelisco antiguo está retratado con las “piernas largas de deseo, con muchas articulaciones y casi invisible” y con un obelisco en la parte posterior.

Así, los “artistas laberínticos” . Autores que, a pesar de seguir diferentes caminos, están sujetos a algunas obsesiones y algunos tormentos.

Para comprender el significado de su aventura poética, podemos referirnos a un artículo de Italo Calvino, titulado El desafío del Laberinto (1962), donde recordamos que los escritores y artistas, en el siglo XX, ya no quieren ordenar las formas del presente. No se basan en métodos de percepción consolidados.

Ellos restan de las descripciones que tienden a confirmar los hábitos. Se enfrentan a la complejidad de la realidad, a perderse en el océano del presente. Vagan en un laberinto sin escapatorias. Intentan ver una salida. “Incluso si esta salida no será más que el paso de un laberinto a otro”.

Imágenes: Wikipedia


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